撞牆的路上，割捨的藝術－音樂劇《熱帶天使》獵女犯1940s

文 連士堯（駐站評論人）

《熱帶天使》從2019年讀劇起就有熱烈迴響，累積一票粉絲，在一片好評聲中，今年以更高規模製作登上臺北表演藝術中心大劇院，吸引許多像我一樣，並未看過先前任何一版的「小白」前往欣賞──在中場休息時，我的感受與周遭許多觀眾討論相同，充滿了對於劇情安排的不理解，以及先前好評從何而來的困惑，然而上半場其實已演足了90分鐘！也不免預想首演週後，此劇會遭受到多大的討論與批評……事後的網路輿論也正如所想。

抱著困惑一路到了下半場，演到蔡香腸（Ctwo飾演）與雪子（辰亞御飾演）畫風丕變的熱鬧歌曲〈一百萬種的死法〉時，突然懂了此版《熱帶天使》的問題癥結：創作者的「捨不得」！以我這個「小白」的眼光，上半場不論是蔡香腸或是雪子，都只像是推動主角劇情的功能性角色，甚至無法分辨雪子跟安子之間的區別，也沒感受到蔡香腸與雪子之間有著什麼特別的情愫。到了下半場突兀地出現了要一起逃亡的深厚感情，而且曲風也是之前從未出現的歡快感，依照劇本邏輯，上半場應該也有一首較為軟調性的歌才有呼應──後來也的確查到，先前版本有這麼一首叫〈危險遊戲〉的歌。

但上半場時間已然緊繃，到底要刪掉哪些部分才能保留想講的事？看起來過於歡樂卻對主角劇情沒幫助的〈危險遊戲〉就被刪除了。可是〈一百萬種的死法〉實在太過討喜，歌隊甚至還在台上跳起「殭屍舞」，能博得觀眾滿堂彩，就被保留了下來，事實上這段的確也是當晚觀眾反應最熱烈的地方。然而這麼一刪一留，在整體劇情就顯得失衡，不但破壞了原本上半場的悲劇調性，甚至也沒有凸顯出蔡香腸與雪子的心境轉變，到了下一場戲兩人立刻被抓，一死一瘋，自然也對觀眾無法產生情感連結。

見微知著，細想本版《熱帶天使》的段落安排，似乎都有著這樣的傾向：單看任一段都有其可觀之處，詞曲撰寫相當成功，像是〈化作神風〉、〈女人樹〉，還有如同台語金曲的〈你會當哭〉等等，皆是目前台灣原創音樂劇中，少數能讓觀眾留下深刻旋律印象者。然而全部串連在一起，就顯得顧此失彼，為了能在有限的時間裡，讓每一個角色都留下最精華的段落，就代表丟失了每一個角色的完整劇情曲線，徒留觀眾在一次又一次的濃烈情感中，抓不到為之感動的理由。

或許也因為如此，本版《熱帶天使》還新增了由楊烈飾演的老林逸平，透過與女兒的對話，最終熱血疾呼「台灣人講自己故事」的理念。但直白地這麼一框住，那在劇中呈現的松永、安子、羅莎琳等不是台灣人的故事呢？故事說得好，就不必有講解故事者，此處更動可能無意間呈現出創作者對於此版的缺乏信心。

很多批評不能諒解的是，這齣戲不是修了三年多，為何感覺最後沒有變更好？若任何創作都是「時間越久就能越好」，那應該就不會有王國維的《人間詞話》三境界，也不會有「見山不是山、見山又是山」或「撞牆期」的說法了。在借鏡歐美的音樂劇製程之時，我們是否忽略了越到後期，就應該要有越多市場眼睛盯著看的面向？若台灣音樂劇界視「商業化」為終極目標，創作者對於內容越陷越深之時，場館方／投資方是否該丟掉過往「完全尊重藝術家」的模式，而多加以第三者角度給予更商業考量的建議呢？直接丟給大眾檢視，對於創作者或觀眾來說，都是多餘的碰撞過程，往往兩敗俱傷，觀眾不繼續買單、創作者也失去信心，有多少能夠發展至更加成熟的音樂劇，就在此終結呢？這樣看來，或許台灣音樂劇製程發展也遇到「撞牆期」了。