百老匯音樂執導大師班側記-用編曲找到你想要的聲音

課程日期：2025/11/７
課程地點：禾禾文化空間白盒子

Andrea提到的編曲（Arrangement）和台灣目前習慣的編曲意思不太一樣，台灣比較常指的是orchestration（又稱配器），但這裡的編曲指的是前期的人聲與鋼琴編排。

用畫畫來比喻：
作曲（composing）想像出一棵樹，這個想像有可能很簡單、也有可能有很多細節，但重點是有了一個概念。接著編曲（arranging）把這個想像和概念描出邊、畫出一個草稿，中間可能會做各種調整。最後由配器（orchestrating）把樹著色、畫完整、完成最終的樣子。

在古典樂與歌劇中，上述所有事情都是作曲家自己完成。而在流行樂中，哼出主旋律的人就是作曲，剩下的其他工作包含編曲與配器，則可能會是音樂製作人（producer）完成。

在音樂劇的創作中，有些時候作曲家會重疊一點編曲的工作，但從概念出現一直到最後交給配器完成最終曲目樣貌，這中間的一切調整和討論，就都是編曲的工作範圍。今天要講的就是從作曲到編曲，怎麼從概念變成到台上的一首歌。

編曲的幾個不同面向：

• general song arranging，一般大方向的歌曲安排與編曲，包含曲式、架構、長度、和弦、和聲等
• piano arranging，在比較前期的進度，只有編鋼琴，但同時可能腦中已有管弦樂團編制的一些想法
• vocal arranging，不改結構，聚焦在人聲編寫上
• dance arranging，和編舞一起工作，只專注在與舞蹈相關的音樂，也算是部分作曲
• incidental arranging，轉場、換景、沒有歌曲和舞蹈的音樂
• orchestration，不改結構、只是著色，確定樂團編制並決定各個樂器在什麼時候做什麼

以上工作有可能會由不同的人負責（例如舞蹈音樂編寫通常會需要對舞蹈有一定的了解，就會有專門的人來處理），彼此的範圍時常會互相重疊，甚至也會和作曲重疊。
 

這首歌是上半場的最後一首歌，Andrea先讓我們聽一開始拿到的概念（也就是作曲給出來的demo），再聽後來在東尼獎演出的版本，發現很多改變，像是key不一樣、中間的 dance break 舞蹈間奏長度差很多、歌曲的結尾也完全不同，另外還有增加了很多的和聲，配器也差非常多。

^{註：東尼獎演出的版本與百老匯正式演出的版本還是有些許不同，Tootsie在百老匯的樂團編制有19人已經算很大，但東尼獎的樂團編制更大，所以還是有增加了管樂，但基本上的架構與色彩是與正式版本相去不遠的。因為東尼獎有公開播映的影片，所以舉東尼獎的演出為例。}

在工作這首歌的過程中，原本的key對要演唱的演員來說太低，尤其因為這個角色在戲中唱了很多很高的音，相對較難在低音域有太多表現或詮釋，於是音樂執導便和作曲溝通升key。但這首歌又有一些音符在升key後變得太高，會需要調整旋律，雖然作曲一開始不想改、覺得原來的旋律比較好聽，但因為對戲來說不容易執行，必須要有所犧牲，最後得到的共識是可以讓演員飆一次高音、讓原本的旋律被保留一次，其他次則改掉。

這首歌的開頭部分在demo裡只有使用bass做伴奏，但主旋律有很多很複雜的音程、很特別的色彩，因此 dance arranger 舞蹈編曲提出覺得需要和聲的協助與支持，便和音樂執導一起討論，加上了歌隊的人聲，採取的策略是和聲開闊、不複雜，且和主旋律的音域拉開比較不會撞到，並在和弦進行中加進一些變化來定調色彩、去強調主旋律變化的地方，這樣能幫助主唱和觀眾更好跟進旋律的變化。而到主歌的後段和聲慢慢堆疊變大（音變高、和聲變密集、口型變大）、到最後加入主角跟他唱一樣的詞，就能建立起不同的層次。

另外舞蹈編曲在開頭前三句的最後一小節空拍處，增加了節奏強烈的點，讓歌隊的動作可以對點，讓整體有變化、更好玩，第四句則因為後面有新的事情要發生所以沒有加。在第二段主歌中，舞蹈編曲則改變了歌曲的grooving律動，並加上歌隊和聲，讓整體更澎湃。

有一段作曲原本在demo中寫了上下八度的和聲，但Andrea覺得下面的音對男生太低、很難展現高能量，所以把合聲拉高；另外有一段，作曲原本寫了很長一段只有三度的和聲，Andrea加了一些多的和聲讓能量陸續鋪陳，並在詞很多很快的地方改成讓大家齊唱、比較能聽得懂；因為中間要堆疊到讓主角換裝出場亮相，所以增加了歌隊不斷轉key的和聲、不斷堆疊堆疊到最後，目標就是要讓主角出場時可以很盛大很輝煌（同因為前面改過key，也能藉機靠著這裡的多次升key轉回到原本作曲想要的key），而讓和聲往上、但bass往下，把跨度拉大就能讓氣氛更興奮。

而主角在戲中因為要有扮演女生的橋段，演員在聲音的使用上也會要有男聲和女聲的區別，音樂執導便會協助演員檢視哪些段落要轉變成女生的聲音、音域是否適合，編曲上能怎麼協助演員更輕鬆的轉換。

通常舞蹈編曲會和編舞另外有一個 dance workshop 舞蹈工作坊，會和演員或是舞者一起工作，現場討論並直接嘗試各種可能。導演會在這個工作坊之前先和他們討論過想要的方向與可能的畫面，實際工作坊時通常不會在場。（這個工作坊的演員或舞者不一定是最後演出的人，並且會在正式排練前完成）

接著在排練階段中或後，音樂執導會和舞蹈編曲一起完成歌曲中間的所有架構，例如什麼地方要vamp（重複）、什麼地方要加節奏等，最後定型了再交給 orchestrator 配器工作。（Tootsie是演出前三週交給orchestrator的）

Andrea 會在譜上標記類似「溫暖的管樂，可能薩克斯風？」「清脆的鈴聲？」等想法，給配器建議。這首歌其中有歌詞提到了fantasy world，作曲在一開始的demo裡加進了特殊音色的鼓，想提示幻想、夢幻的感覺，於是最後的編曲就加入了各種豐富的樂器和音色。作曲、編曲、配器彼此之間會不斷來回，也有時候作曲看了排練又再做了調整，就要再重新來回。

因為後續的演出，Andrea彈鋼琴的同時也要負責指揮，所以編曲與配器工作時也會把這件事考慮進去。這首歌就有一段鋼琴有一長串很快速的小音符，Andrea就和編曲及配器反應她彈不了，於是就將這串音符編進電子琴的程式裡，可以減輕負擔。（有時候電子琴的程式編寫也會有一個人專門負責）

整個工作過程與排練過程，記譜的部分都會不斷更新。有時候編舞會從歌詞或是一些動作去抓關鍵詞、幫一些段落命名，或是舞台上會發生什麼重要的事，就都會記在譜上。有時候為了等掌聲、配合演員出場或換裝等，會新增一些小節，就可能會出現110a、110b這樣的小節數。而配器完成後，有些新加上的東西也會重新編排進鋼琴排練的譜裡，讓後續的巡迴排練能快速習慣有這些聲響。

後續巡迴、錄原聲帶、遇到要去東尼獎演出，都有可能會再進行編曲的調整。例如歌曲中有一些致敬其他作品的旋律，但因為版權問題所以只能出現在現場演出，原聲帶中就被改掉了；今天舉例的歌曲在正式演出中結尾會有一個戲劇上的轉折，但去東尼獎演出時就把那個轉折拿掉、變成一個華麗的盛大結尾。

Suffs裡有一首很早期就被砍掉的歌〈Belly of the beast〉沒有被編曲過，Andrea帶大家一起試看看可以怎麼進行編曲。

先聽一次demo，看看有什麼感覺？可以做什麼變化？覺得整首歌的伴奏型態太一致，如果這首歌在戲中有要發展去別的地方，就應該要有點變化。有學員提出可以加上右手的高音、像水滴的裝飾音，Andrea覺得很不錯，但因為會很跳出來、很明顯，會建議編舞或導演在這裡加上動作或事情，讓這樣的編曲有存在的意義，所以如果之後決定沒有要加動作，可能又會再把這些音拿掉。

陸續有學員提出建議，Andrea便會直接嘗試。例如在主旋律的空拍上加一些裝飾的fill過門，在偶數句鋼琴右手可以加上四度的和音製造變化，前面都是比較跳躍短節奏的東西、接到最後一句時可以加上一些長線條的旋律（但不能和演員唱的部分打架），當左手的節奏重複太久時換一些不一樣的pattern。

大家也嘗試從歌曲的內容與角色狀態下手，這首歌是主角群們剛剛被抓進監獄的時候，第一次被抓所以都很害怕。女主角作為在歌曲中第一個和獄卒對話的人，歌曲左手的節奏也許可以配合她的心理狀態，用比較低的bass note做類似心跳的聲響。要注意的是因為主角的主旋律音符和詞都很多，所以伴奏的型態要協助她但不要干擾她，可以把音跟音之間的空間做調整、讓裝飾的音型和唱的音型貼近。

歌曲中間出現轉折，典獄長出現。Demo 裡的音樂就暗示了這個人是一個壞人，所以可以試著在編曲中讓音樂更協助這件事、讓壞人的出場更有力量。例如增加出場前的提示音，右手和弦往上、左手往下增加張力。可以試著想舞台上可能會有什麼樣的呈現，例如會有監獄的門，在這裡門打開讓典獄長出現。這樣門打開、典獄長走出來會需要一點時間，音樂可能就要加長一點。門可能很厚重、打開時可能會有聲音會吸引注意力，所以要把開門放在獄卒講完話後、給開門和典獄長出場一個完整的時間。如果在編曲時有了這些想法，就要告訴其他主創者們，一起討論、一起工作。這個階段會有很多點子經過討論後又會再調整，都是很正常的。而以台灣的現況來說，可能沒有太多前置討論的可能，但可以試著在創作的時候就讓編曲、編舞、導演加入。

Q：記譜的方式、有什麼需要注意的事？
Andrea覺得最難的是把對話放在譜上正確的地方，在安排間奏時最好要預留足夠的長度、讓對話有安全的預備空間。譜上通常也會記進音樂的cue點。需要注意的是，歌隊和聲如果全部寫在一起會很難辨別聲部，通常建議至少把男生女生的分開記，可以節省很多解釋的時間。

Q：文本創作時，音樂的 cue 點是誰、什麼時候決定？
很難，有時候很明顯，但有時候沒有，作曲家可能有些自己想像的點（有的話是最好的），主創會一起討論，可以多嘗試再決定。

Q：什麼時候會做最後final的決定？
在preview試演期間每天白天排練、修整，晚上演出、發現問題或接收回饋，所以都還會有很多更動；試演的後期會有一個freeze的時候，在那之後通常幾乎沒有太多排練了，所以就會凍結、不再改動；但如果有排練就還有機會改變。（Band’s Visit一直到排練的最後一天都還找不到其中一首歌的結尾，某天大家排練完很鬱卒地去喝酒，結果隔天就找到了一個好的解法）

Q：歌隊的聲部分配是音樂執導決定嗎？
對，作曲可能會對哪些音給哪些聲部唱有一些想法，但通常還是以音樂執導為主做決定。

這堂課由四位學員提出自己的作曲作品，及想工作或有疑惑的部分，Andrea會直接在電腦上用打譜軟體把新的東西編出來讓大家嘗試，或是直接在鋼琴上嘗試新的東西，實際操作編曲上可能的解決辦法。

是一個關於高中生樂團的故事，這首歌是九二一地震發生當下、他們第一次相遇的時候。清彥想工作最後一段，想用歌隊呈現地震發生的當下很混亂的感覺。

想要能量高的地方寫給男中音的音太低、能量會比較出不來，可以調高或是改和聲旋律。往上調整會變成跟根音一樣，聽起來會比較穩定，但後面兩拍伴奏和弦換的時候就會變成有衝突的張力。兩句同樣的歌詞男中音唱的音型一樣，會覺得比較安穩沒有危險感，建議可以調成更近更緊密的和聲，讓張力更大。配器的節奏型態也可以調整試試看，讓bass跟著人聲或是反過來跟人聲錯開。

Andrea提醒，在能量很大的片段中，一定的音區之下的音會是沒有效的，如果是錄音可能可以有效，但現場演表演時能量會沒辦法相配。所以如果想要呈現很大的能量，就要讓所有人都能夠在自己最能發揮能量的音區上。

清彥本來覺得因為有不同年紀的人，所以給男中音低八度的音，Andrea說那就要取捨，是要呈現有不同樣子的人、或是要有足夠能量呈現當下的混亂，看在這個作品裡哪個比較重要。音高、旋律、調性都要取捨。

最後一段兩個男生聲部是跨八度的同音，覺得也可以試試看比較近一點的和聲。Andrea認為歌隊的和聲編曲最高目標，是讓每個聲部都有自己的旋律，會更有趣也更好抓。

關於過動症的國中生在藝術中找到慰藉的故事，這首歌是整齣戲的終曲。言年想在所有角色都唱進來之後，創造大家都彼此互相支持的感覺，想知道現在的和聲有沒有達成這個效果，或是怎麼可以更好。

Andrea覺得因為歌詞在討論light，所以現在很大調很開闊的和聲很符合、很適合這首歌的氛圍，不像前一首地震需要激烈和刺激。言年問需不需要增加和聲，還是現在solo加三部就夠了？Andrea覺得不用加，三顆音是三和弦，四顆音就會往jazz的方向去，所以現在很夠了。可以換成比較近的和聲，會讓和聲更強烈、更直接、撼動人心。

當主旋律有比較大跳的音程時，會很難在不交錯的情況下編寫和聲，Andrea說不用一定要每顆音都和，可以從小的慢慢變大。把主旋律分散到不同聲部，可以製造一些動態感。（Andrea在Suffs遇到的一個挑戰是，作曲本人習慣把主旋律的音都寫在最上面，但其中有一首歌的主旋律偏低，在最後想要有很恢弘的結尾時較難把能量推上去，Andrea覺得主旋律已經重複很多次了、結尾需要高的和音才能有那樣的能量，就說服作曲改寫了旋律）

記譜上的建議：solo在最上面、下面會照聲部順序（女生在男生上面），歌隊裡如果有要拉出來solo的句子，譜上可以標示要不同人唱。

兩個男聲主角的旋律偏低的時候，女生歌隊的和聲就可以也低一點，才不會因為離太遠而變太強烈。整首歌裡兩個主角的合音大部分是二度或四度，也許可以在後面改成用三度，會感覺比較溫暖。整首歌的音域都比較在講話的區間、不高，但因為這首歌是溫暖、和諧的，只要主角唱起來不會被淹沒就也很OK。在緊密的和聲中把每個聲部都放到高音極限，就會得到最常見的百老匯ending。

在調整的過程中，也很常會試了以後發現沒有太有效果。編曲階段就是會一直嘗試、討論，有時候試了半天又回到原點也是可能的，但多嘗試總是好的。有時候可以把原本的東西丟掉，嘗試完全不一樣的東西；有時候覺得很重要的東西，改掉後會發現其實也沒那麼重要，都是有可能的。

是一齣荒謬喜劇，這首歌是整齣戲的第二首，前一首有人被殺了、這一首有三個奇怪的警察要來辦案。子齊想要建立三個很不一樣的角色，所以寫了很多三部的和聲，想知道這樣是否有效？

Andrea覺得他們同時唱和聲，其實會比較難讓三個角色被獨立。可以分開的話會更能被區分。但因為作詞的寫法是讓他們三個常常一起講同樣的話，如果這首歌的音樂目標是要區分這三個角色，那可能就是要跟作詞討論能不能調整。但如果是這齣戲裡面想讓三個角色做區別，也許不一定要在這首歌裡。現在感覺得到這三個人是一個團隊，以歌曲本身來說，雖然沒有達到區分角色的目標，但在其他方面都是很完整的。三個人一起講的詞，也可以嘗試先同音再和音，可以製造不一樣的聲響和色彩。主旋律在三人之間流轉是一個讓三人聽起來更像一個團隊的方法。

記譜上的建議：整首都swing的話可以在一開始標記swing，譜面就可以都用八分音符，比較不會資訊太多。

有些小地方，在改音樂之前可以先試著從演員的唱法調整起，如調整不了再改。例如很快的詞、接很近的句子，請前一個人尾音收快，就可以讓詞更清楚。

有一個段落子齊想要呈現類似萬聖節的詭譎感覺、想要有一個魔女在高的地方飛。Andrea 建議直接讓女高音在上面唱類似花腔長音，並說因為這是喜劇所以合理。也可以從鋼琴的編曲下手讓氛圍更詭異。（Andrea覺得音樂劇很難讓人覺得恐怖，《瘋狂理髮師》是她覺得最恐怖的音樂劇）

作品是關於兩個不同背景的人，一個現代白人男性、一個古代德國女性，都是支持仇恨煽動者的人，但其實都是需要愛。

現在開頭聽起來太過穩定，建議可以給更多動態讓角色聽起來更有情緒。有用到美國國歌去做變形，Andrea提出像《Cabaret》和《Assasins》也都有用到，但建議可以先讓國歌的型更明確、被聽到，再去做轉變，會比較清楚。

現在寫的音域太廣，幾乎沒有人可以做得到，要決定究竟是男高音或是男中低音。現在高音太高甚至可能會聽起來有點像小男生。音域跨度太大，演員很難表現，也很難達到有效的訊息傳達。除非有非常明確的原因或用意，不然高音和低音都應該要節制。

想要呈現的概念跟想法太多了，很難在很短的句子裡完成這麼多事，就會變得所有情緒都不夠清楚。可能可以在一整首歌裡慢慢把所有情緒說完，但不能太貪心在開頭就把所有東西都丟出來。

目前歌詞給的是比較是敘述性的文字，Andrea 建議可以給更多動作或行動，讓故事用演的不要用講的。並建議可以跟作詞再討論和工作，不然作曲也會很困難。

歌曲用到了非常奇特的和聲（比如小二度），可以理解想要做的事情，但在音樂劇裡要傳遞訊息可能沒那麼有效。比較成功的例子可能只有《瘋狂理髮師》裡，有用到很近很怪的大二度和聲。要小心太怪的和聲會聽起來像是演員唱錯，觀眾會出戲。

Q：因為排練過程中，譜會一直修改，不知道現在百老匯有開始在排練時使用ipad嗎？
。有開始慢慢用ipad，但因為還是有人喜歡手寫，所以還是有人用印的，但要愛護環境，所以要建立夠完善的系統、確保大家拿到的版本都是一樣的。

Q：作曲和編曲做出來的東西要盡量跟角色一致，但好像還是有些歌曲的音樂質感跟角色不那麼搭配？
。如果有這樣的感覺，會和作曲、主創團隊討論（但有時候也不一定會達到共識）

Q：間奏的設計，怎麼決定要用長的旋律或是vamp或是任何作法？
。沒有規定，中間台詞越長變動就可能越大（所以現場樂隊的好處是可以調整）。如果不想一直用重複的間奏，就是抓一個確定足夠的長度，然後同時演員也要習慣聽音樂調整速度、音樂也可以給演員比較明顯的提示讓演員知道該要講完了。有些地方的vamp很簡單，但有些地方需要重複的部分太長，就要和演員討論看是誰要配合誰。

Q：給作曲的男聲女聲的建議音域？
女生：
G3以下太低，G3-Eb4舒服但能量低，E4-B4大部分人都舒服
Bb4低音belter、Bb4-C#5 mix belt、D5-Eb5高音belt
E5以上就是高音了
 

男生：
C3以下太低，只能給Bariton；往下的G2-A2很偶爾可以給tenor一點點但很難
C3-Eb3舒服但能量低，E3-Bb3大部分都舒服
B3-Eb4是很有張力的有用音域（對男中音偏高，F#4差不多最高）
C4-G4對男高音是舒服的，G4以上就是高音了
B4以上就是特殊情況或給特殊訓練的演員

＊一首歌裡高音或低音可以放特例少數一兩次，不能太多（男女都是）

課程側記：孫自怡