百老匯音樂執導大師班側記-聲音詮釋&與演員工作的方法

課程日期：2025/11/７
課程地點：禾禾文化空間白盒子

大師班課程來到最後一天，內容為Andrea與學員一對一工作自選曲目的聲音、歌曲詮釋。工作的流程大致是先請學員大致介紹歌曲的內容，並完整唱一遍歌曲，接著Andrea會詢問學員想要工作的或是有問題的地方，再針對學員提出的部分進行調整與溝通。

參與學員與自選曲目：
廖志恒-〈Stranger〉from Bigfish
王少君-〈When It All Falls Down〉from Chaplin
劉鎮嘉-〈Past Is Catching Up To Me〉from The Great Gatsby
黃柏樹-〈For Forever〉from Dear Evan Hansen
楊宗昇-〈My Petersburg〉from Anastasia
陳柏勳-〈Epic II〉from Hadestown
陳垣希-〈She Used To Be Mine〉from Waitress
王國讚-〈Me And Mr.Popularity〉from In Pieces

音樂執導會根據不同演員的特質來給不同的指令，可能給技術上的指令、表演上的筆記、音樂分析上的想法，最終的目標都是要讓演員可以把故事和角色好好詮釋出來。以下筆記大致分為兩種，一是聲音相關的技巧，二是關於詮釋的分析與方法。

當遇到較困難的高音、或是大跳的音程時，Andrea會針對不同句子的需求做不同的發聲練習。唱高音時，可以練習控制下顎不動、靠改變舌頭位置來給口腔足夠空間、讓氣流比較不會被擋住，舌頭的位置和高低會影響聲音的質地，往上往前比較能讓母音聽起來更清楚。而如果高音的母音是比較小的口型（例如ㄜ），可以先試著用較大口型的母音（例如ㄚ）來唱，再慢慢調整兩者的比例，直到找到聽得懂的比例。

遇到音域非常高的歌曲（例如Hadestown裡Orpheus的歌曲其實是非典型男高音的音域，已經唱到女生音域了），可以試用純頭聲或用純混聲來感覺差別，再看哪一個適合。用純頭聲時氣流和身體的支持要夠、音準才不會掉。彈唇是一個很好的發聲方式，會讓你忘記要用多少力氣，自然的會送夠氣，要彈到比要唱的音更高，再從上面下來就會覺得比較簡單。

台灣人在唱英文歌時，最難的是字首與字尾的子音，因為平常講話較懶、容易忽略唇齒音。其實子音對許多英文母語者也還是很難，因為平常不會刻意去想這件事。子音之中的爆破音是有分「有聲子音」與「無聲子音」的，差別在於是否使用到聲帶。（b、d、g為有聲子音；p、t、k為無聲子音）字尾若遇到有聲子音，應唱在音高上，甚至能用它帶出動作或意念（n和m也是）。而無聲子音也不要輕易丟掉，可以利用連到下一個字、或稍作停頓但仍保持存在等，來傳遞訊息、達到詮釋。遇到會「吃母音」的字尾子音，如 r 或 l，拉長音時可把它們放到最後，甚至不必完整發出（如 hopeful 可處理成 hopefuh）；也務必注意，不要用r和l拉長音，長音只會用母音拉長。字首的部分則是氣吐多一點會很有幫助，但如果是L可以發輕一點、舌頭放鬆、不需要用太多力氣，如果遇到F或H則小心不要吐太多氣、用最少的氣快速帶過就好。

一首歌的後半段高音通常較難，是因為前面已經很長、累積了一些壓力或緊繃，遇到這種狀況可以在歌曲的中間找一些check point，例如比較低音的地方、可以好好呼吸的地方、較不費力的長音、任何舒服的地方，利用這些check point來釋放壓力、讓身體重新啟動。另外因為最後的高音通常都是最興奮、最重要的地方，會想要給很多甚至用吼的，但技術上還是必須要hold住、要找到聲音技術和表演的平衡。

練習的時候如果有找到什麼事情是有效的，可以把它訓練成一個按鈕，在演出時就可以按那個按鈕讓身體進入狀況。例如一些靠想像力的練習：想像自己有一條恐龍尾巴、在背後又重又長，讓喉嚨的肌肉比較放鬆。因為我們眼睛長在前面，所以背後的空間與感覺比較容易被忽略，唱歌的時候可以多想這些空間、會感覺更寬廣。有時候身體的本能在想表現興奮時會緊繃起來、或是有些手部動作是讓身體比較關起來的，Andrea提醒如果要做這樣的動作，要記得把後背空間打開。動作是表演選擇，但還是要讓身體需要的空間被保留足夠。
（Andrea舉例，Tootsie中的一個演員，用真的很緊張的身體去詮釋很緊張，結果就因為太緊繃而受傷了，所以要找到能表演緊張的方法，但不能真的緊張）

表演的當下可以用一些想法去把呼吸、位置等和表演連結在一起，就可以比較輕鬆。例如角色在思考、想到了想法時，可以做一個身體的直覺吸氣，就能幫忙打開上半身的空間。在台上用一些身體姿勢、手勢動作來幫助唱歌，是完全可以的，也很常發生，但切記要合理。

在練習的時候要想這麼多，但表演的時候沒辦法想這麼多，所以就是要練到在唱的時候不需要去煩惱技術、技巧。就像運動中，要先學會技術技巧，然後在不同狀況下靈活運用，讓技術變成本能的一部分。技巧是必要的，但所有的重點其實都是表演、要說故事，要練習讓自己可以同時處理技術和故事、要跟隨著故事的方向但還是要能掌控自己的身體。有完整的技巧後，最終在演出時才能給出最真誠、最當下的表演，能支持演員去做任何詮釋選擇。

在表演的時候多少可能會忘記一些技巧而覺得不好聽，但不要去擔心好不好聽、不要害怕發出難聽的聲音，重點還是有在角色中、有在傳達角色的情感或是故事。

可以思考角色本身、以及在唱這首歌時的身體姿態是什麼。唱歌時兩手一直抓在身體前會把感覺都綁住。把手放開後自由很多，更能傳達情感和訊息。可以根據角色與故事設計一些動作、身體質感，例如在音樂轉折時身體姿態也跟著改變、眼神與面向找到連結時也能更有效的傳遞訊息。但有些時候也可以選擇讓能量都專注在講出來的語言裡，身體的動作就可以少。

練習的時候小心不要太依賴譜架、不要讓譜架變成你的演戲夥伴。在台上表演的時候除非必要，否則不要把眼睛閉起來，會失去連結。沒有對手的時候可以想像一個（但提醒甄選時不要把其中一個評審當成對象、也不要直視評審的眼睛）。

在尋找詮釋線索時可以先從文字開始，從歌詞裡去找重點、想辦法強調或凸顯它。很多時候句尾最後一個字會拉長音，但如果它不是最重要的字（通常不是），拉長音的時候就要小心不要加重或變大聲。另外也可以找歌詞裡的動詞，會更有辦法想像角色的行動、讓意圖更明顯。練習把歌詞講出來、不帶旋律和節奏，但不是只是唸，要當成台詞。

如果譜上有明確的呼吸記號，就要遵循。句尾寫的是短的時候就不要拉長。拉長音的時候，意圖不能斷，音多長意圖就要多長（甚至更長），不能變成在等音結束。遇到句子和想法都很長時，在句子中都要持續保持前進，不然會鬆掉。可以換氣但意圖不能斷。

如果譜上沒有呼吸記號，就嘗試看看不同的換氣點。也許可以把換氣、吸氣當成一種詮釋與表達，製造出很急促地興奮地想講話的感覺、或是很掙扎吸不到氣的感覺（但記得要真的呼吸）。試著每一句後面都換氣，角色會變得更有能量、有時可能更年輕，想要更有動能的時候可以試著多換氣。（有時候每一句都換可能會有點太多，可以再調整，但也可能可行，試了就會知道）

音樂中間的空白不是只是在等音樂，而是角色在思考下一句要講什麼。就算戲的音樂風格偏流行，但所有的滑音轉音都還是要有原因，不然會出戲。轉調通常是角色的念頭轉換，不能在轉調的時候呼吸、會把張力削弱。有重複的句子時要很清楚重複的意圖是什麼。遇到節奏快的地方，句子的尾巴也許就不用拉太長，可以藉此讓長短的變化拉大，讓長音跟跳音的對比更明顯、音樂層次更豐富。

鋼琴伴奏的譜也會有非常多的線索，可以從譜上的音符找到詮釋的方向或暗示。例如出現像鼓一樣的重音，可以感覺到韻律感，像是角色很興奮想分享事情；或是鋼琴的伴奏型態出現變化，可能是角色到了新的場景或是心境發生轉變。

就算是從頭到尾只在講一件事的歌曲（例如Gatsby的歌），其中也還是會有不同程度的興奮狀態、音樂上也會有不同層次的堆疊和變化；或是唱歌對象在歌曲中有默默的改變（例如Dear Evan Hansen裡，本來是在安慰朋友的家人，但慢慢變成其實是在安慰自己），要找到這些轉折和變化的地方是在哪裡。

遇到情緒很強烈的歌曲、表演時容易被情緒帶走時，可以在練習中盡量探索各種可能、知道各種可能性，在演出前要平衡並選擇、控制，讓聲音和身體都還是可以穩定。練習時找到一個可以很明確知道能穩定的要素，在台上如果情緒發生了，就專注於那一個要素，找回控制。

好的歌曲，歌詞和旋律都是來幫助說故事的。一首好的歌可以讓人持續在裡面找到新的東西。音樂執導在和演員工作時會提出各種可能性，演員可能也會有新的想法，就是要透過不斷的嘗試與溝通來達成共識。

如果把所有東西都規劃好（例如每一小節發生了什麼事、對象是誰、要做什麼等），的確可以幫助演員更理解所有的內容。但熟悉、理解了之後，這些東西可以更靈活、不要被它綁死。建立好結構基礎，之後就可以在它之中得到自由、持續從中得到新的啟發。

Q：對於拍子的準確和自由度的想法
開始一定要先照譜，譜上會這樣寫有作曲家的理由。譜是地圖但不是音樂本身。尤其流行歌，譜比較像guideline導航，可以比較自由一點。如果看著譜聽原聲帶，可以從其中的差異知道範圍和自由度在哪，差很多的話就是自由度很高，但也有非常精確的，就最好不要改，像是 Sondheim 的作品。要做不同選擇的話，一定要有非常好的理由，並且要跟作曲溝通。

Q：如果想要做音符的調整，是要跟作曲還是音樂執導溝通？（例如DEH的譜上有和原卡唱的不一樣的音）
原則是不改音符。除非是真的流行歌，可能在轉音或滑音的部分會做一點調整，但要很小心不是為了炫技，不然會出戲。看譜的時候可以知道轉音滑音的容忍空間在哪。DEH的部分一定是有討論溝通過的。

Q：在工作有律動的歌曲時，會用什麼方法幫助演員？
先用講的講在節奏上，熟悉節奏後再把音高加進去。有鼓的話先熟悉鼓的節奏和給的韻律。英文歌可以找到重音的音節、先著重把重音放在正確的拍子上，就會比較自然。

Q：因為不是英文母語，遇到很快速很多音節的句子時，好像會很用力或不自然？
要找到重音、音節，念順、字尾要放在對的地方。歌曲寫得好的時候會知道重音在哪裡，寫得沒那麼好的時候就要靠自己找，用念的找到flow和韻律在哪；不重要的音節可以稍微省略、省力。

Q：演員拿到譜有什麼需要注意的事情？或是必備的知識？
有一百萬件。音樂樂理分析、音符長度、音高音程，分析原因。可以問音樂執導（他們的主要的職責就是這個，協助演員做音樂分析、幫演員一起找譜上的線索）、可以問作曲。在唱歌的時候，記得有人為了這個故事寫了這首歌，一切都有原因，要尊重所有的音符。

Q：甄選的時候，應該要照自己平常的樣子，還是要表現更多？
如果有自選曲，選最可以表現自己的歌曲（最好跟這個作品有關）
指定曲的話，重點就是要演這個角色，你會怎麼演這個角色、怎麼理解這個角色

Q：身為演員可以幫自己安排什麼樣的功課，讓自己減少在舞台上失控的機率、在演員這條路上更穩定、持續成長？
閱讀跟表演有關的書，屋塔哈根、meisner、史坦尼斯拉夫司基；持續上表演課，上聲樂課，把技術磨純熟，身心靈都要平衡、健康，就跟運動員一樣。

Q：有沒有一些基礎的「說故事」練習方法？
大哉問。要搞清楚你是誰、你在哪裡、剛才發生什麼事情、你開口後想要得到什麼、怎麼得到、遇到什麼困難、要怎麼解決，行動是什麼、目標是什麼。

Q：像今天這樣的工作流程，一般來說在製作裡會有多少時間工作？
看需求。今天的操作其實比較多是演員要和自己的歌唱指導工作的，像是技巧技術、呼吸等，比較不會在排練時做。排練中一切以製作的工作內容為主，主要工作表演及和戲結合的部分。今天的操作比平常排練時的速度慢一些。在不同的階段可能會用不同的方式，但都是在追求同樣的方向。在排練過程中會給表演的筆記，期待演員能快速吸收並應用，不然就是回家練。

Q：導演什麼階段會加入？
音樂排練是一個階段，在那之後導演就會加入。練歌階段有時候導演會加入。

Q：有沒有遇過演員唱不好的狀況，會怎麼辦？（可能高音唱十次有九次會破音）
改音、改key（如果不能換演員）。要放在台上就必須要是99.9%可執行的。

Q：最糟的工作經驗？
有一個製作裡的歌曲前段很宣敘調，作曲希望可以更講話一點讓事情快一點，但演員一直無法達成，於是約了一對一的排練，演員覺得像是在被要求copy音樂執導的表演、沒有詮釋的自由，覺得不被尊重，不然就應該寫在譜上給他限制。Andrea覺得可以自由但要在一定的框架裡，最後只能求救作曲家，作曲家有權利要求演員照著做。

Q：結尾的長音一唱下去發現出問題了怎麼辦？（氣不夠或快破音之類）
就很有自信的結束就好。（百老匯常見！）

課程側記：孫自怡