2026 增能工作坊｜音樂劇練功坊：大師相談室活動側記

大抵上，影視編劇通常比較克制，不會讓角色太直白地說出自己的心情、想法，或是在所處情境下多餘的台詞。更多時候，編劇會在環境裡埋藏線索，藉由角色行為透露心思，或是利用光影、配樂、鏡頭等烘托氛圍或暗示情感。

但在音樂劇裡，角色會在歌曲裡唱出心聲。這時寫實台詞退居其次，歌曲成為角色內心世界的投射，情感也成為觀眾體驗的一部分，甚至音樂本身就具有打動觀眾的力量。而音樂劇編劇的工作，便不再是埋藏，而是表現——運用合適的舞台語言，將情感具象化，並傳達給觀眾。

從這裡可看出兩種敘事載體的差異：影視主要透過鏡頭「紀錄」事件發生的經過，於是編劇上比較傾向寫實，好讓觀眾當真。相反地，劇場的一切都是「發生」在當下，無論敘事手法還是舞台呈現都容許更多想像空間。這樣的現場性也讓編劇和導演可以「說故事給觀眾聽」，創造台上與台下直接的互動與交流。

對初次嘗試的創作者來說，音樂劇有許多有別於影視編劇的觀念與敘事方法。洛纓老師將兩者分別整理如下：

• 基本敘事語言：影視主要仰賴畫面與剪接敘事，而音樂劇則透過戲劇與歌曲推進故事，其中歌曲又包含音樂與舞蹈等敘事工具。
• 時間感：影視可以透過剪接技巧操控節奏、切換時空，而音樂劇的舞台時間多半在觀眾眼前連續發生。
• 寫作單位：兩者皆有分場，但影視可再詳細規劃分鏡，而音樂劇則需一併考量歌曲位置、功能，甚至進一步安排旋律片段、音樂動機。
• 情節推進方式：兩者均透過行動與事件推進，但音樂劇裡，歌曲也須承擔敘事功能，即造成決定、揭露、或關係改變。
• 人物內心刻畫：在影視裡，利用運鏡、特寫聚焦人物表情，或是透過旁白或畫面細節暗示或揭露；而音樂劇裡，歌曲可以直接開展內心世界。
• 關於重複：影視通常會避免重複資訊，但音樂劇歌曲裡，歌詞及旋律片段的重複往往能堆積情感或累積意義，並能在劇情其他段落再現。
• 關於高潮：相較於影視，在音樂劇裡，故事與情感的高潮往往也反映在音樂上，可能伴隨著歌曲份量增加、旋律情感更濃烈等。
• 合作模式：影視編劇作為創作中心相對清楚，相比之下，音樂劇經常是團隊創作，編劇、作詞、作曲、導演等彼此牽動的高度協作模式。

以上可以看出，音樂劇創作很大一部分圍繞著「歌曲能如何參與敘事」。這不只是決定哪些劇情要交由歌曲處理，更因為敘事語言改變了，而可能需要將原本故事裡的元素重新排列、整合。當戲與歌曲必須共同承擔敘事任務時，編劇的首要任務可能是：什麼時候該留給音樂、把故事交給歌曲、交給舞台？
 

1. 歌為什麼在這裡出現？

在討論歌曲內容之前，不如先想想：為什麼這裡要發生一首歌？這個角色為什麼現在不能繼續說話，而非唱不可？因為由對白進入歌曲，實際上意味著敘事語言的轉變：角色轉用更外放的情感表達，音樂接手主導戲的節奏，而舞台呈現上也跳脫寫實空間，進入更具表現力的歌舞場面。因此每個段落唱歌與否，其實需要創作者在考量角色及戲的需求後，做出一次次的抉擇。

而什麼樣的戲劇情境，會讓角色或故事能夠進入歌曲呢？洛纓老師在這裡提供了幾種可能：

• 時間：現實時間暫停，角色的內在時間打開；以戲劇手法讓角色短暫一瞬的思緒得以抒發。

• 徬徨：角色必須做出選擇，於是透過歌曲梳理思緒與情緒。

• 衝突：多個角色或陣營立場矛盾達到臨界點，藉由歌曲讓它們平行對照或正面對峙。

• 慾望：角色具有某個慾望，強烈到日常語言容納不了了，便以歌曲宣洩（例如音樂劇常見的 I Want Song 即屬於此類）。

• 發現：壓抑的真相終於浮現，以歌曲消化此事為角色與觀眾帶來的衝擊。

• 醞釀：一種群體情緒或行動正在成形，用歌曲反映此勢力的成長（例如《悲慘世界》中的〈Do You Hear the People Sing〉）。

2. 歌曲本身也是一場戲

音樂劇的進歌邏輯，並非把戲停下來等角色抒情；歌曲本身也應包含戲劇行動，使劇情得以推進。因此創作歌曲如同寫一場戲，應先釐清角色在這首歌的起點，一開始相信什麼，或是被什麼事情觸發而開始唱歌。接著規劃歌曲過程的起承轉合，角色可能遭遇或面對著某種阻力（無論來自外在或內在），促使他的觀點或情緒發生改變。最後在歌曲結束時，讓角色前往不同的方向——可以是做出了某種決定，但也可以是陷入更深的矛盾。

3. 音樂劇人物更重視「清楚表達我要什麼」

與影視或純戲劇相比，音樂劇更重視讓角色表達他的「Want」：我想得到什麼？是誰或是什麼阻止我？為什麼我非得到不可？如果得不到，我將失去什麼？明確的渴求或想望，確保了角色在劇中的動能，也為觀眾定義清楚劇情的方向及角色行動背後的利害與代價，更非常適合寫成歌曲，讓角色在採取行動前就先打動觀眾、留下深刻印象。

當然，「想要」並不等於角色真的理解自己。有時候角色會先唱出以為自己要的東西，但隨著劇情發展，才逐漸發現他真正需要的是什麼，這也是許多音樂劇中常見的角色曲線。重點是，無論在劇情的開始、中段、或結尾，當角色意識到自己內心想要追求的渴望時，當下的強烈情感，往往就會需要透過歌曲抒發、宣告。

4. 音樂劇容許多重時間與意識同時存在

其實劇場本身就能藉由舞台畫面的分割，將不同空間區隔出來。但音樂劇還能透過歌曲，藉由對唱、重唱、疊唱等設計，讓同一首歌裡能存在不同時空或立場的聲音，在聽覺上也彼此碰撞。其中最典型的手法：讓角色們同時唱出各自的心聲，儘管歌詞內容和旋律可能各不相同，卻同時存在於同一個音樂結構裡，反映角色的立場彼此矛盾卻又同時成立。而其他可能的例子包含：

• 現在的人物與過去回憶對話、合唱

• 現實與幻想的互動、交疊

• 說出口的話與內在真相的對照（可用不同的音樂元素標示差異）

• 不同地點的幾個人物，同時做著同一件事

• 個人心聲與群體歷史，在歌曲中反映個人逐漸找到與時代的連結，最終加入群體的過程

5. 音樂劇的情節必須能夠承受「情感放大」

洛纓老師點出，唱歌本身就是一種「放大」的手法——給予一首歌的空間，讓現實中只存片刻的思緒或未說出口的情感，得以被完整梳理、傾吐、被觀眾聽見。從這個角度便能理解，為什麼有些故事或情節難以寫成歌曲了。例如一段與朋友討論中午吃什麼的日常對話，或許在內涵上就有些貧乏，真要寫成歌曲，也容易讓觀眾感到有些小題大作。

但這並不是說，音樂劇就只適合寫大時代或生死愛情等宏大題材，許多日常小事也能成為歌曲。重點其實不在於事件本身多澎湃，而是對角色而言，是否能夠觸發足夠的情感反應，以找到進入歌曲的入口。比如一頓飯，可以是平凡上班日的一餐，也可以是多年後第一次回到故鄉的第一頓飯；但就算是前者，仍可能突然帶給角色特別的感覺，因而值得寫成一首歌。

6. 音樂替劇本建立第二層敘事

音樂能承載記憶。音樂劇創作者在用音樂回應情境、抒發情感的同時，其實也在用情境或情感，為音樂建立意義。而正如劇本裡任何具有意義的語句或意象，一段被賦予意義的旋律可以在後來的劇情裡再現，也就是所謂的 reprise。此時，可能歌詞變了、旋律調性變了，也可能詞曲皆未改變，但角色的境況卻已然不同。如此一來，即便劇本未有明講，觀眾也能意會到人、事、物、主題或情感，隨著劇情發展演變的歷程。

因此就創作而言，音樂劇歌曲並不只為表現當下的情感；音樂與歌詞在劇中的使用、不同歌曲之間旋律片段的連結，都關乎到創作者希望觀眾在每段劇情接收到哪些資訊，需要更整體的規劃與佈局。除了上述以 reprise 體現變化，洛纓老師還舉了兩種運用音樂的方式：

1. 以音樂暗示資訊：作為音樂劇的第二層敘事，有時音樂會在劇本揭露之前，提前暗示某些情節發展或隱藏的真相。創作者能以此手法，創造觀眾與劇中角色的資訊落差，藉此營造「等待角色經歷或發現」的戲劇張力。

2. 既有音樂的運用：除了譜寫原創旋律並賦予意義，有時創作者也會使用既有的音樂。這些歌曲本身已承載特定的文化意涵與集體記憶，當它們被置入劇情中，觀眾原先對歌曲的認知也會一併被帶入，甚至在劇本的情境中，產生新的意義。例如恐怖故事裡置入兒歌，便是利用兒歌既有的陽光印象與陰森故事場景之間的反差，營造不祥、令人毛骨悚然的效果。

7. 音樂劇編劇必須學會「把位置讓給音樂」

由於音樂劇有部分故事必須交由歌曲推動，劇本有時反而需要寫得比較節制。編劇必須在重要的劇情節點預留歌曲「放大」的空間，不能把場景寫滿。因此音樂劇的創作模式往往是：編劇提供該場景的情境、衝突、轉折、人物動力，然後交給作詞提煉可被唱出的語言。接著作曲與作詞合作，以音樂處理語言無法完整表達的感受，最後如有需求，再由編舞將身體與空間加入敘事。各部門各司其職但緊密合作，才能打造出戲劇、歌曲、舞蹈高度結合的體驗。

8. 音樂劇的歌必須改變戲

洛纓老師再次強調，音樂劇的歌曲是一種敘事工具。當一場戲由對白進入歌曲，也表示編劇選擇讓這場戲轉向更以情感為中心的表現方式。換句話說，歌曲不只是承接戲劇、推進故事，更能改變戲劇本身的運作。主要可歸納出以下兩個面向：

(1) 寫實時空界線鬆動：歌曲進行時，舞台空間能在觀眾眼前變形、延展、分割，場景轉換能作為戲的一部份直接發生，角色也能輕易地穿梭在不同空間和時間（在一首歌的時間內，完成像旅行、成長、走進過往回憶等行動）。

(2) 舞台元素象徵意義打開：歌曲進行時，情感邏輯主導舞台呈現，這時舞台上的一切都更容易被賦予意義。比如群演，在對白場景可能只是路人們，但一旦參與了歌舞，在不同歌曲的情境下可能化身為外在環境、輿論、甚至是角色內心情緒的具象化。

接下來，洛纓老師以韓國音樂劇《或許是美好結局》(Maybe Happy Ending) 為例，帶大家從實例探討音樂劇如何說故事。
首先來看故事 Logline：

兩個被淘汰、被主人遺棄的機器人相遇、相愛，又因為知道彼此終將失去，而思考是否應該刪除愛的記憶。

這是個極其簡單的故事，而洛纓老師邀請大家想想，這個故事如果拍成電影，和寫成音樂劇，會有什麼不同？以影視的標準，這樣的故事線可能稍嫌單薄了，可能會需要增加支線，或起碼讓世界觀變得更完整（參考同樣關於相愛、失去、及是否刪除記憶的電影《王牌冤家》）。但這樣單純的情節卻恰好適合音樂劇的載體，因為這些情感關鍵字都有足夠的空間被放大。

而本劇雖然以機器人為主角，在科幻元素上卻十分克制，沒有交代過多的未來世界觀，許多細節設定也都刻意留白。然而，劇中的每個明確設定，均扣緊了「以機器人比喻人類」的核心構想：機器人有限的電池效能、逐漸頻繁的故障，對應到人類有限的生命與衰老的過程。零件停產，如同老年人被時代淘汰的命運；主人的離去也能與人生中親密關係的遺棄產生共鳴。最後是否重置記憶，則是對觀眾叩問，如果相愛注定伴隨著失去的痛苦，你是否寧願主動遺忘，彷彿未曾愛過？洛纓老師強調，設定的最終目的是為了創造必要性。好的設定不是為了讓故事看起來特別，而是讓人物無法逃避作品的核心問題。
接著觀察本劇歌曲，可發現每首歌都承載了戲劇行動：角色做出打破日常規律的決定、角色承認了原本不願承認的需要、兩人的距離發生變化、原本對愛情的理解被改寫⋯⋯每首歌都佔據了重要的戲劇節點，並在歌曲結束時，揭示了人物心境已發生什麼變化，推動著兩人一步步走向相愛。

洛纓老師表示，創作者可以用歌曲是否在戲裡不可或缺來檢驗；如果拿掉歌曲，人物的轉變便無法成立，那才是戲劇歌曲。
本劇也在音樂上運用了「重複」及「再現」技巧。例如一開始，兩個機器人因為借充電器而每天見面。這段重複的日常，如果拍成電影可能會以蒙太奇帶過，利用剪接壓縮時間。但音樂劇以一段「借還充電器」的背景音樂，演出一次次的借與還，以及在這過程中，兩人互動的變化。當重複被寫進音樂的結構中，便成為一種形式，而形式一旦確立，便能在此基礎上進行變形和發展。

故事到了最後，兩位機器人也看似回到了相遇前的日常。表面上一切似乎回到了原點，但當爵士歌曲再度響起，與開頭一模一樣的旋律，卻因觀眾知道兩人曾經相愛過，而多了好幾分惆悵。或者說，兩位機器人因為系統重置而遺忘的記憶，被之前出現過的旋律好好地保存了下來。這也就是 reprise 的戲劇力量，不只是把歌再唱一次，而是讓時間改變同一首歌的意義，「一樣」反而變得不一樣。
 

Q：在面對投資方時，Logline 該如何既精簡、通俗，又要能吸引人？
A：身為創作者，我們有時會很急著希望別人看懂自己作品想表達什麼。但 Logline 的目的，是吸引別人想來看你故事的第一步，因此建議先從題材找亮點。比如《或許是美好結局》的亮點就是「機器人相愛」，而「是否刪除記憶」才指向故事的核心命題。

Q：創作過程中，往往會收到來自四面八方的回饋，各自都有點道理但又彼此有些衝突，建議如何篩選才不會迷失？
A：首先建議創作者釐清，如果想創作的是商業作品的話，那麼「讓更多觀眾看得懂」會是個重要指導原則。為此聆聽觀眾回饋，並一次次調整表達方式，往往是創作必經的過程。但在創作當下，倒也不必一直想要如何寫出符合觀眾口味的故事。「觀眾口味」是一個抽象的概念，只存在創作者想像中。因此，無論如何想清楚自己想講什麼故事，再保留調整表達方式的彈性就好。

側記：張慕恩